Joel Iskowitz est un créateur de pièces et de médailles bien connu dans le monde entier et l’un des rares artistes vivants dont les œuvres ont été exposées au Capitole des États-Unis, au Pentagone et à la Maison Blanche. Nous apprécions grandement son design et sommes heureux d’avoir l’opportunité d’interviewer Joel à propos de son travail, de ses inspirations et de ses idées sur la conception de pièces qui ravissent les collectionneurs.
Pouvez-vous nous parler de votre parcours dans le monde de la conception de pièces de monnaie ? Qu’est-ce qui a suscité votre intérêt pour ce domaine ?
“Tout d’abord, je tiens à vous remercier pour l’intérêt que vous portez à mon travail et l’opportunité de parler de mon travail dans le domaine de la numismatique.
Au cours de ma passion pour l’art, alors que j’étais au stade de ma carrière où je créais des modèles de timbres pour de nombreux pays, la Société philatélique intergouvernementale m’a demandé de créer des dessins au trait simples à utiliser comme modèles de pièces de monnaie pour le Les Royals britanniques devraient le faire. À l’époque, je pensais que cela représenterait un petit travail supplémentaire par rapport à mon travail principal, la conception de timbres. C’était au début des années 1990, et c’était ma première tentative de conception de pièces de monnaie. À l’époque, je ne savais pas que la conception de pièces de monnaie et de médailles serait ma spécialité de toujours. Avance rapide jusqu’en 2005. J’ai été accepté dans le programme d’infusion artistique de la Monnaie des États-Unis. J’ai trouvé les projets et les sujets demandés aux artistes à la fois stimulants et revigorants. Difficile parce que les exigences techniques étaient très restrictives, et pourtant le sujet, qui traitait de l’histoire et des grands personnages qui ont changé et façonné cette histoire, était extrêmement stimulant.
En tant que designer pour une Monnaie renommée, quels sont les facteurs les plus importants que vous prenez en compte lors de la création d’un nouveau design de pièce ? Comment parvenez-vous à concilier importance historique et esthétique moderne ?
Eh bien, avant de prendre un stylo et de tracer une ligne, j’essaie toujours de faire des recherches approfondies sur le sujet en question. Lorsque cela est possible, je me rends sur le lieu où un événement historique particulier s’est produit et là où vivaient les personnes impliquées dans l’histoire. S’il n’est pas possible de visiter les lieux qui contiennent des vestiges tangibles de l’histoire à illustrer, je me référerai aux sources secondaires dont je dispose, telles que les archives nationales, les biographies, les livres, les magazines et les collections d’images. Lorsque je sens que j’ai acquis suffisamment de connaissances, d’empathie et de compréhension de mon sujet, je crois fermement que mon art doit être au service de l’histoire racontée pour que mon travail sonne juste et rende justice aux sujets. Pour moi, l’accent est mis sur la narration de l’histoire. Même si je souhaite que mes œuvres soient esthétiques, je ne veux pas que ma stylisation ou mes techniques éclipsent le sujet. Lorsqu’il s’agit d’esthétique moderne, nous avons ici en réalité une boîte de Pandore contenant des théories contradictoires sur l’art, l’art moderne et l’art classique. Je crois que bon nombre des voix qui dictent que les créations d’aujourd’hui doivent avoir un aspect « moderne » imposent un manifeste artificiel aux artistes contemporains. Par définition, tout art créé aujourd’hui est temporellement moderne. Esthétiquement, je crois que si une œuvre d’art est belle et raconte une histoire fascinante qui peut être comprise au-delà des frontières culturelles, c’est de l’art classique. Par classique, j’entends un art qui serait considéré comme édifiant et beau à n’importe quelle époque et dans n’importe quelle culture. L’art au-delà des catégories. L’art au-delà des frontières et des catégories : c’est ce à quoi je aspire. Une dernière réflexion sur le dialogue entre moderne et classique : De même que je pense qu’il est important de faire des recherches avant de « chanter sa chanson » si l’on veut, il est essentiel d’étudier les maîtres du passé afin de contribuer au dialogue universel, qui est l’art d’ajouter quelque chose de nouveau. Si l’on tente de créer un art moderne sans s’appuyer sur la connaissance et l’appréciation du passé, alors cet artiste proposera inévitablement un éphémère superficiel qui ne résistera pas à l’épreuve du temps.
Pouvez-vous nous expliquer votre processus créatif lorsque vous êtes chargé de concevoir une nouvelle pièce ? Quelles étapes suivez-vous depuis la conception jusqu’au produit final pour garantir que chaque design est unique et significatif ?
C’est une question excellente et complexe. Comme je l’ai déjà mentionné, j’essaie de faire preuve de diligence raisonnable et de rechercher chaque projet de manière aussi approfondie que possible. Cela me permet de garder tous les éléments que j’ai appris flottant dans ma tête et mon imagination. Parfois, quand je m’y attends le moins, des connexions commencent à se développer, tant conceptuellement que visuellement. Souvent, ces concepts visuels se connectent et s’unissent, presque comme des molécules, formant un nouvel élément multicouche. Bien entendu, chaque projet a sa propre identité et le processus varie en conséquence. Une taille unique ne convient pas à tous. Une fois que j’ai rassemblé un stock d’éléments visuels, c’est mon travail de les organiser afin qu’ils forment un motif cohérent qui commence à raconter l’histoire. Un autre terme pour ce que je viens de décrire est la composition. Une fois la composition, ou plus précisément les nombreuses versions de la composition, établies, il est temps de l’affiner. Je commence avec un crayon sur papier pour ensuite passer à un mode où le numérique joue un rôle. Depuis que je faisais des gravures et des gravures en tant que graveur, je numérise mes dessins dans Photoshop, les affine, les imprime, les trace dans ces impressions, les imprime à nouveau et les trace en autant d’étapes que je juge nécessaire d’atteindre. le dessin final. De cette façon, j’utilise mon imprimante comme presse à graver et je crée de nombreux états jusqu’à ce que j’atteigne l’itération finale.
Qu’est-ce qui vous intéresse particulièrement dans la conception de pièces pour une monnaie bien connue ? Y a-t-il des créations ou des projets particuliers qui vous tiennent particulièrement à cœur ?
En ce moment, j’ai la chance de travailler sur de superbes séries pour la Compagnie des Indes orientales. Le poème épique d’Edmund Spencer « The Fairie Queene », « The Boston Tea Party » et le recueil « Goddesses ». J’ai également récemment terminé une série de dix pièces pour APMEX intitulée « Icônes de l’inspiration », honorant les personnes qui ont changé notre monde grâce à leur ingéniosité et leur créativité. Ces deux séries me tiennent beaucoup à cœur car elles semblent être la combinaison parfaite de l’histoire et de l’art sur les pièces de monnaie. Les histoires qu’ils racontent sont vraiment captivantes et inspirantes. Avant de commencer la collection Déesses pour l’EIC, j’ai lancé ma propre série intitulée « Déesses sans frontières » dans laquelle les allégories féminines de nombreuses nations et cultures interagissent les unes avec les autres et incarnent le concept de respect mutuel et d’échange culturel. Cette idée a été reprise par mon dessin de 2015 pour la Bradford Exchange Mint, qui représente Liberty et Britannia se serrant la main de l’autre côté de l’Atlantique pour illustrer l’amitié et l’alliance particulières entre ces deux nations. Je pense que c’est l’un de mes modèles préférés, notamment parce qu’il a inspiré la série célébrant le féminin que j’ai appelée “Déesses sans frontières”. Je crée également actuellement une série de dix pièces pour les pièces et lingots américains qui rendent hommage aux pièces américaines les plus belles et les plus populaires.
Comment le processus de conception des pièces a-t-il changé compte tenu des progrès technologiques, par ex. B. grâce aux outils de conception numérique, développés au cours de votre carrière ? Préférez-vous les méthodes traditionnelles ou êtes-vous ouvert aux innovations numériques ?
Je pense avoir déjà partiellement répondu à cette question lorsque j’ai expliqué comment mon processus implique des dessins au crayon analogiques à l’ancienne combinés avec la technologie numérique dont nous disposons aujourd’hui. Je voudrais également ajouter que je crois que toute nouvelle technologie peut à la fois offrir de nouvelles possibilités créatives passionnantes et jouer le rôle d’un ennemi séduisant, nous conduisant vers une forme de dépendance paresseuse. Je crois que la véritable créativité, discipline et sensibilité peuvent être exploitées en utilisant tous les outils à notre disposition, qu’ils soient traditionnels ou modernes.
Comment procédez-vous pour incorporer des symboles culturels et nationaux dans la conception de votre pièce ? Quels défis rencontrez-vous pour garantir que ces symboles soient affichés avec précision et respect ?
Je fais de mon mieux pour m’assurer que mes représentations visuelles sont exactes. Bien sûr, je pense qu’il est important de permettre une certaine liberté artistique, mais cette liberté ne doit pas trahir la vertu sous-jacente de décrire avec précision une histoire particulière. Surtout avec les symboles culturels et nationaux, je porte une attention particulière aux détails et aux significations derrière les détails de l’héraldique, du symbolisme et de l’idéographie.
Pouvez-vous nous donner un aperçu des tendances ou des thèmes à venir en matière de conception de pièces de monnaie ? Selon vous, à quoi les collectionneurs et les amateurs de pièces de monnaie peuvent-ils s’attendre à l’avenir ?
J’ai l’impression que les collectionneurs, les monnaies du monde entier et toutes les personnes impliquées dans la conception et la fabrication des pièces de monnaie s’orientent vers les nouvelles possibilités dans les domaines du relief plus élevé et de plus de détails qu’offrent les processus de frappe modernes. L’allemand BH Mayer et les entreprises coopérantes telles que CIT semblent avoir ouvert cette nouvelle voie vers l’avenir.
Je suis enthousiasmé par les nouvelles possibilités qu’offrent les technologies de pointe aux designers. Cependant, je voudrais souligner que nous devons faire attention à ne pas laisser ces technologies nous corrompre et leur permettre d’éclipser le contenu de nos conceptions. Lorsque nous utilisons ces nouvelles avancées pour améliorer le contenu, nous faisons de réels progrès.
La collaboration est souvent la clé du processus créatif. Comment travaillez-vous avec les autres membres de l’équipe, tels que les graveurs et les responsables de la Monnaie, pour donner vie à vos créations ?
J’ai eu la chance de travailler avec certains des meilleurs sculpteurs de bas-relief au monde. La liste des graveurs et sculpteurs avec lesquels j’ai travaillé pour la Monnaie des États-Unis et des monnaies privées se lit comme un who’s who de l’art numismatique. John Mercanti, Don Everhart, Phebe Hemphill, Donna Weaver, Mike Guadioso, Joe Menna, Jim Licaretz et Charles Vickers de mon passage à la US Mint . Luigi Badia, Emerson Abraham, Eugene Daub, Jody Clark, James Hughes Dan Penny et Heidi Wasstweet du secteur privé.
Enfin, quels conseils donneriez-vous aux futurs créateurs de pièces qui souhaitent suivre vos traces et se faire un nom dans l’industrie ?
Développez un sentiment d’appartenance à l’histoire et à votre sujet en effectuant des recherches approfondies afin que votre œuvre d’art serve et rende justice à votre sujet. Connectez-vous au passé en regardant vers l’avenir et rappelez-vous que votre travail se diffuse dans le monde en tant que petit ambassadeur de l’histoire, de la culture, de l’art et de la bonne volonté, transcendant les frontières de l’espace et du temps.
Toutes les images sont protégées par le droit d’auteur de Joel Iskowitz.
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