Joel Iskowitz è un noto designer di monete e medaglie in tutto il mondo e uno dei pochi artisti viventi le cui opere sono state esposte al Campidoglio degli Stati Uniti, al Pentagono e alla Casa Bianca. Apprezziamo molto il suo design e siamo lieti di avere l’opportunità di intervistare Joel sul suo lavoro, ispirazioni e approfondimenti sulla progettazione di monete che deliziano i collezionisti.
Puoi raccontarci il tuo percorso nel mondo del coin design? Cosa ha suscitato il tuo interesse in questo ambito?
“Prima di tutto vorrei ringraziarvi per il vostro interesse per il mio lavoro e per l’opportunità di parlare del mio lavoro nel campo della numismatica.
Nel corso del mio amore per l’arte, che dura da una vita, quando ero nella fase della mia carriera in cui stavo creando disegni di francobolli per molte nazioni, mi è stato chiesto dalla Società filatelica intergovernativa di creare semplici disegni da utilizzare come disegni di monete per il I reali britannici dovrebbero. All’epoca pensavo che questo sarebbe stato un piccolo lavoro aggiuntivo al mio lavoro principale, la progettazione di timbri. Questo avvenne all’inizio degli anni ’90 e fu il mio primo tentativo di progettare monete. Allora non sapevo che disegnare monete e medaglie sarebbe stata la mia specialità per tutta la vita. Avanti veloce fino al 2005. Sono stato accettato nel programma di infusione artistica della Zecca degli Stati Uniti. Ho trovato i progetti e gli argomenti richiesti agli artisti stimolanti e rinvigorenti allo stesso tempo. Impegnativo perché i requisiti tecnici erano molto restrittivi, eppure l’argomento, che trattava della storia e dei grandi personaggi che hanno cambiato e plasmato quella storia, era estremamente stimolante.”
Come designer di una zecca rinomata, quali sono i fattori più importanti che consideri quando crei il design di una nuova moneta? Come gestisci l’equilibrio tra significato storico ed estetica moderna?
Bene, prima di prendere una penna e tracciare una linea, cerco sempre di fare ricerche approfondite sull’argomento in questione. Quando possibile, mi reco nel luogo in cui è avvenuto un particolare evento storico e nel luogo in cui hanno vissuto le persone coinvolte nella storia. Qualora non fosse possibile visitare i luoghi che contengono resti tangibili della storia da illustrare, farò riferimento alle fonti secondarie a mia disposizione, come archivi nazionali, biografie, libri, riviste e quadrerie. Quando sento di aver acquisito sufficiente conoscenza, empatia e comprensione del mio argomento, credo fermamente che la mia arte debba essere al servizio della storia raccontata affinché il mio lavoro suoni vero e renda giustizia ai soggetti. Per me il focus è raccontare la storia. Anche se voglio che la mia opera d’arte sia esteticamente gradevole, non voglio che la mia stilizzazione o le mie tecniche oscurino l’argomento. Quando si tratta di estetica moderna, ciò che abbiamo qui è un vaso di Pandora contenente teorie contrastanti sull’arte, sull’arte moderna e sull’arte classica. Credo che molte delle voci che impongono che i design di oggi debbano avere un aspetto “moderno” stiano imponendo agli artisti contemporanei un manifesto artificiale. Per definizione, tutta l’arte creata oggi è temporalmente moderna. Esteticamente, credo che se un’opera d’arte è bella e racconta una storia avvincente che può essere compresa oltre i confini culturali, è arte classica. Per classico intendo l’arte che sarebbe considerata edificante e bella in qualsiasi epoca e in qualsiasi cultura. L’arte oltre le categorie. Arte oltre i confini e le categorie: questo è ciò a cui miro. Un pensiero finale sul dialogo tra moderno e classico: così come penso che sia importante fare ricerca prima di “cantare la propria canzone”, se vuoi, è essenziale studiare i maestri del passato per contribuire al dialogo universale, che è l’arte di aggiungere qualcosa di nuovo. Se si tenta di creare un’arte moderna senza un fondamento nella conoscenza e nell’apprezzamento del passato, allora quell’artista offrirà inevitabilmente un effimero superficiale che non resisterà alla prova del tempo.
Puoi guidarci attraverso il tuo processo creativo quando ti viene assegnato il compito di progettare una nuova moneta? Quali passaggi segui dall’ideazione al prodotto finale per garantire che ogni progetto sia unico e significativo?
Questa è una domanda eccellente e complessa. Come ho detto prima, cerco di fare la mia due diligence e di ricercare ogni progetto nel modo più approfondito possibile. Questo mi permette di mantenere tutti gli elementi che ho imparato fluttuare nella mia testa e nella mia immaginazione. A volte, quando meno me lo aspetto, iniziano a svilupparsi connessioni, sia concettualmente che visivamente. Spesso questi concetti visivi si collegano e si uniscono, quasi come molecole, formando un nuovo elemento multistrato. Naturalmente ogni progetto ha una sua identità e il processo varia di conseguenza. Una taglia unica non va bene per tutti. Una volta raccolta una serie di elementi visivi, è mio compito organizzarli in modo che formino uno schema coerente che inizi a raccontare la storia. Un altro termine per ciò che ho appena descritto è composizione. Una volta stabilita la composizione, o più precisamente, le numerose versioni della composizione, è il momento del perfezionamento. Inizio con matita su carta e poi passo a una modalità in cui la tecnologia digitale gioca un ruolo. Dal momento che facevo acqueforti e incisioni come incisore, eseguo la scansione dei miei disegni in Photoshop, li perfeziona, li stampo, li ricalco in queste stampe, li stampo di nuovo e li ricalco in tutte le fasi che ritengo necessarie per raggiungere il disegno finale. In questo modo utilizzo la mia stampante come una pressa per incisione e creo molti stati fino a raggiungere l’iterazione finale.
Cosa trovi particolarmente interessante nel disegnare monete per una zecca famosa? Ci sono dei disegni o dei progetti particolari che ti stanno particolarmente a cuore?
Al momento ho la fortuna di lavorare su una serie di serie meravigliose per la Compagnia delle Indie Orientali. Il poema epico di Edmund Spencer “The Fairie Queene”, “The Boston Tea Party” e la raccolta “Goddesses”. Recentemente ho anche completato una serie di dieci monete per APMEX intitolata “Icons of Inspiration”, in onore di individui che hanno cambiato il nostro mondo attraverso il loro ingegno e creatività. Queste due serie mi stanno molto a cuore perché sembrano essere il perfetto connubio tra storia e arte sulle monete. Le storie che raccontano sono davvero accattivanti e stimolanti. Prima di iniziare la collezione Goddesses per l’EIC, ho iniziato la mia serie chiamata “Goddesses Without Borders” in cui le allegorie femminili di molte nazioni e culture interagiscono tra loro e incarnano il concetto di rispetto reciproco e scambio culturale. Questa idea è stata ripresa dal mio progetto del 2015 per la Bradford Exchange Mint, che raffigura Liberty e Britannia che si stringono la mano attraverso l’Atlantico per illustrare la speciale amicizia e alleanza tra queste due nazioni. Penso che questo sia uno dei miei design preferiti, soprattutto perché è stato l’ispirazione per la serie che celebra il femminile che ho chiamato “Goddesdes Without Borders”. Attualmente sto creando anche una serie di dieci monete per US Coins and Bullion che rendono omaggio alle monete americane più belle e popolari.
Come è cambiato il processo di progettazione delle monete visti i progressi tecnologici, ad es. B. attraverso strumenti di progettazione digitale, sviluppati nella tua carriera? Preferisci i metodi tradizionali o sei aperto alle innovazioni digitali?
Penso di aver già parzialmente risposto a questa domanda quando ho parlato di come il mio processo coinvolga disegni a matita analogici vecchio stile combinati con la tecnologia digitale a nostra disposizione oggi. Vorrei anche aggiungere che credo che qualsiasi nuova tecnologia possa sia offrire nuove ed entusiasmanti possibilità creative sia svolgere il ruolo di un nemico seducente, portandoci in una forma di pigra dipendenza. Credo che la vera creatività, disciplina e sensibilità possano essere sfruttate utilizzando tutti gli strumenti a nostra disposizione, siano essi tradizionali o moderni.
Come fai a incorporare simboli culturali e nazionali nel design delle tue monete? Quali sfide dovete affrontare per garantire che questi simboli siano visualizzati in modo accurato e rispettoso?
Faccio del mio meglio per garantire che le mie rappresentazioni visive siano accurate. Naturalmente, penso che sia importante consentire una certa libertà artistica, ma tale libertà non deve tradire la virtù sottostante di ritrarre accuratamente una storia particolare. Soprattutto con i simboli culturali e nazionali, presto molta attenzione ai dettagli e ai significati dietro i dettagli dell’araldica, del simbolismo e dell’ideografia.
Puoi fornire informazioni sulle tendenze o sui temi futuri nel design delle monete? Cosa pensi che i collezionisti e gli amanti delle monete possano aspettarsi in futuro?
Ho l’impressione che i collezionisti, le zecche di tutto il mondo e tutti coloro che sono coinvolti nella progettazione e nella produzione di monete si stiano muovendo verso le nuove possibilità nelle aree di maggiore rilievo e maggiore dettaglio offerte dai moderni processi di conio. Sembra che la tedesca BH Mayer e le aziende che hanno collaborato come CIT abbiano aperto questa nuova strada verso il futuro.
Sono entusiasta delle nuove possibilità che le tecnologie all’avanguardia offrono ai designer. Ci tengo però a sottolineare che dobbiamo stare attenti a non lasciare che queste tecnologie ci corrompano e consentano loro di oscurare il contenuto dei nostri progetti. Quando utilizziamo questi nuovi progressi per migliorare i contenuti, stiamo facendo progressi reali.
La collaborazione è spesso fondamentale nel processo creativo. Come lavori con gli altri membri del team, come incisori e funzionari della zecca, per dare vita ai tuoi progetti?
Ho avuto la fortuna di lavorare con alcuni dei migliori scultori di bassorilievi del mondo. L’elenco degli incisori e degli scultori con cui ho lavorato mentre lavoravo per la Zecca degli Stati Uniti e per le zecche private si legge come chi è chi dell’arte numismatica. John Mercanti, Don Everhart, Phebe Hemphill, Donna Weaver, Mike Guadioso, Joe Menna, Jim Licaretz e Charles Vickers del mio periodo alla Zecca degli Stati Uniti . Luigi Badia, Emerson Abraham, Eugene Daub, Jody Clark, James Hughes Dan Penny e Heidi Wasstweet del settore privato.
Infine, che consiglio daresti agli aspiranti designer di monete che vogliono seguire le tue orme e farsi un nome nel settore?
Sviluppa un senso di appartenenza alla storia e al soggetto effettuando ricerche approfondite in modo che la tua opera d’arte serva e renda giustizia al soggetto. Interagisci con il passato mentre guardi al futuro e ricorda che il tuo lavoro va nel mondo come un piccolo ambasciatore di storia, cultura, arte e buona volontà, trascendendo i confini dello spazio e del tempo.
Tutte le immagini sono protette dal copyright Joel Iskowitz
Maggiori informazioni su Joel Iskowitz:
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